Η Νεκρή Φύση στην Τέχνη

Paul Cezanne

Ο ορισμός της νεκρής φύσης

Ο όρος νεκρή φύση, natura morta, εισάγεται στην ιταλική ορολογία της τέχνης τον 18ο αιώνα. Τότε ακόμη η natura morta θεωρείται ζωγραφική δεύτερης κατηγορίας και αντιδιαστέλλεται προς την «ευγενή» natura vivente, τη ζωντανή φύση, όπου πρωταγωνιστεί ο άνθρωπος. Καλλιεργήθηκε ιδιαίτερα στις Κάτω Χώρες κατά τον 17ο αιώνα. Η νεκρή φύση αναπτύχθηκε στην Ελλάδα το τελευταίο τέταρτο του 19ου αιώνα, με σκοπό να ανταποκριθεί στη ζήτηση της νέας αστικής τάξης..

Μια νεκρή φύση (πληθυντικός νεκρές φύσεις) είναι ένα έργο τέχνης που απεικονίζει κυρίως άψυχα αντικείμενα, συνήθως κοινά αντικείμενα που μπορεί να είναι είτε φυσικά (τρόφιμα, λουλούδια, φυτά, βράχια, ή κοχύλια) ή τεχνητά (ποτήρια, βιβλία, βάζα, κοσμήματα, νομίσματα, σωλήνες, και ούτω καθεξής). Με ρίζες στο Μεσαίωνα και την Αρχαία Ελληνική / Ρωμαϊκή τέχνη, έργα νεκρής φύσης δίνουν στον καλλιτέχνη μεγαλύτερη ελευθερία στη διάταξη των στοιχείων του σχεδίου μέσα σε μια σύνθεση από ό,τι έργα άλλων τύπων θεμάτων, όπως το τοπίο ή πορτρέτο. Έργα νεκρής φύσης, ιδιαίτερα πριν το 1700, περιείχαν συχνά θρησκευτικό και αλληγορικό συμβολισμό σχετικά με τα εικονιζόμενα αντικείμενα. Μερικά σύγχρονα έργα νεκρής φύσης σπάνε τους συνηθισμένους πίνακες δύο διαστάσεων και χρησιμοποιούν τρισδιάστατη μικτή τεχνική, και χρησιμοποιούν ήδη υπάρχοντα αντικείμενα, φωτογραφία, γραφικά υπολογιστών, καθώς και βίντεο και ήχο. Γενικά  η νεκρή φύση απεικονίζει με ψευδαισθησιακή έμφαση υλικά αγαθά, συμβολίζει την ευμάρεια και προορίζεται να στολίσει τραπεζαρίες ή σαλόνια

Η ιστορία της μέσα στους αιώνες

Προγενέστερα γεγονότα

Πίνακες νεκρής  φύσης συχνά κοσμούσαν το εσωτερικό των αρχαίων αιγυπτιακών τάφων. Πίστευαν ότι τα αντικείμενα τα τρόφιμα και άλλα αντικείμενα που απεικονίζονται εκεί θα ήταν, στη μετά θάνατον ζωή, να γίνουν πραγματικοί και είναι διαθέσιμη για χρήση από τον αποθανόντα. Αρχαίες ελληνικές αγγειογραφίες δείχνουν, επίσης, μεγάλη ικανότητα στην απεικόνιση αντικειμένων καθημερινής χρήσης και ζώων. Παρόμοια νεκρή φύση, πιο απλά διακοσμητικά σε πρόθεση, αλλά με ρεαλιστική προοπτική, έχουν επίσης βρεθεί σε ρωμαϊκές τοιχογραφίες και ψηφιδωτά δάπεδα που ξεθάφτηκαν στην Πομπηία, Herculaneum και την Βίλα Boscoreale, συμπεριλαμβανομένου του μετέπειτα γνωστού μοτίβου  «γυάλινο μπολ με φρούτα». Διακοσμητικά ψηφιδωτά ονομαζόμενα "emblema", που βρέθηκαν στα σπίτια των πλουσίων Ρωμαίων, έδειξαν το φάσμα των τροφίμων που απολάμβαναν οι ανώτερες τάξεις, καθώς επίσης λειτούργησαν ως ενδείξεις της φιλοξενίας και ως γιορτές των εποχών και της ζωής.  Μέχρι το 16ο αιώνα, τα τρόφιμα και τα λουλούδια πάλι εμφανίζονται ως σύμβολα των εποχών και των πέντε αισθήσεων. Η δημοφιλής εκτίμηση του ρεαλισμού της νεκρής φύσης συνδέεται με τον αρχαίο ελληνικό μύθο του Ζεύξιδος και του Παρράσιου, οι οποίοι λέγεται ότι κάποτε ανταγωνίστηκαν για να δημιουργήσουν τα πιο «ζωντανά» αντικείμενα. Όπως  ο Πλίνιος ο Πρεσβύτερος καταγράφει στην αρχαία ρωμαϊκή εποχή, Έλληνες καλλιτέχνες αιώνες νωρίτερα είχαν ήδη προχωρήσει στις τέχνες της ζωγραφικής πορτρέτου και νεκρών φύσεων.

Μεσαίωνας και Αναγέννηση

Al. Durer

Από το 1300, ξεκινώντας με τον Giotto και τους μαθητές του, η νεκρή φύση αναβίωσε με τη μορφή φανταστικών εσοχών στις τοιχογραφίες που απεικόνιζαν αντικείμενα καθημερινής χρήσης. Διαμέσου του Μεσαίωνα και της Αναγέννησης , οι νεκρές φύσεις στη δυτική τέχνη παρέμειναν κυρίως ένα συμπλήρωμα στα χριστιανικά θρησκευτικά θέματα, και συνένωναν θρησκευτικές και αλληγορικές έννοιες. Αυτό ίσχυε ιδιαίτερα στο έργο καλλιτεχνών της Βόρειας Ευρώπης, των οποίων η εμμονή με τον εξαιρετικά λεπτομερή οπτικό ρεαλισμό και το συμβολισμό τους οδήγησε στο να έχουν μεγάλη προσοχή στο συνολική μήνυμα των πινάκων τους. Ζωγράφοι όπως ο Jan van Eyck συχνά χρησιμοποιούσαν στοιχεία της νεκρής φύσης ως μέρος ενός εικονογραφικού προγράμματος. Η ανάπτυξη της ζωγραφικής του πετρελαίου από την τεχνική του Jan van Eyck και άλλων καλλιτεχνών της Βόρειας Ευρώπης επέτρεψε να ζωγραφίζουν καθημερινά αντικείμενα σε αυτή την υπερ-ρεαλιστική μόδα, λόγω της αργής ξήρανσης, της ανάμιξης και τις ποιότητες διαστρωμάτωσης των χρωμάτων του πετρελαίου. Μεταξύ των πρώτων ζωγράφων αυτός που προσπάθησε να απελευθερωθεί από την θρησκευτική σημασία ήταν Leonardo da Vinci, ο οποίος δημιούργησε σε ακουαρέλα μελέτες των φρούτων (περίπου 1495), ως μέρος της ακούραστης εξέτασης του για τη φύση, και ο Άλμπρεχτ Ντύρερ ο οποίος έκανε επίσης ακριβή σχέδια της χλωρίδας και της πανίδας. Ένας άλλος παρόμοιος τύπος ζωγραφικής είναι οικογενειακά πορτρέτα συνδυαζόμενα με φιγούρες και ένα καλό στημένο τραπέζι με τρόφιμα, η οποία συμβολίζει τόσο την ευσέβεια των ανθρώπων όσο και τις ευχαριστίες τους για την αφθονία του Θεού. Στους χρόνους αυτούς, απλές απεικονίσεις νεκρής φύσης διαχωρισμένες από φιγούρες (αλλά όχι από την αλληγορική τους έννοια) άρχισαν να ζωγραφίζονται σε εξωτερικό χώρο. Ένα ακόμα βήμα προς την αυτόνομη νεκρή φύση εξακολουθεί να είναι η ζωγραφική  συμβολικών λουλουδιών σε βάζα στο πίσω μέρος  κοσμικών πορτρέτων περίπου το 1475.

Δέκατος έκτος αιώνας

 

J. Beuckelaer 

Ο 16ος αιώνας ήταν μάρτυρας μιας έκρηξης του ενδιαφέροντος για τον φυσικό κόσμο και της δημιουργίας πλούσιων βοτανικών εγκυκλοπαιδειών που κατέγραφαν τις ανακαλύψεις του Νέου Κόσμου και της Ασίας. Φυσικά αντικείμενα άρχισαν να εκτιμούνται ως μεμονωμένα αντικείμενα μελέτης, πέρα από θρησκευτικές ή μυθολογικές συσχετίσεις. Κοχύλια, έντομα, εξωτικά φρούτα και τα λουλούδια άρχισαν να συλλέγονται και να εμπορεύονται, και νέα φυτά, όπως η τουλίπα (που εισάγονται στην Ευρώπη από την Τουρκία), «τιμήθηκαν» σε ζωγραφικά έργα νεκρής φύσης. Η έκρηξη της φυτοκομίας δημιούργησε μεγάλο ενδιαφέρον στην Ευρώπη και οι καλλιτέχνες με αυτή την αφορμή δημιούργησαν πάρα πολλά έργα νεκρής φύσης. Η απεικόνιση των εσπεριδοειδών, για παράδειγμα, ήταν ένα ιδιαίτερο πάθος των Μεδίκων στη Φλωρεντία, Ιταλία. Αυτή η μεγάλη διάδοση των φυσικών ειδών και το αυξημένο ενδιαφέρον για τη φυσική απεικόνιση σε όλη την Ευρώπη, είχε ως αποτέλεσμα τη σχεδόν ταυτόχρονη δημιουργία της σύγχρονης  ζωγραφικής νεκρών φύσεων γύρω στο 1600. Με το δεύτερο μισό του 16ου αιώνα, η αυτόνομη ζωγραφική νεκρών φύσεων εξελίχθηκε. Σταδιακά, το θρησκευτικό περιεχόμενο μειώθηκε σε μέγεθος και τοποθέτηση στους πίνακες, αν και τα ηθικά διδάγματα συνεχίστηκαν ως υποπλαίσια. Ένα παράδειγμα είναι το "The Butcher Shop" του Joachim Beuckelaer (1568), με ρεαλιστική απεικόνιση των ωμών κρεάτων που δεσπόζει στο προσκήνιο, ενώ μια σκηνή φόντου δείχνει τους κινδύνους της μέθης και ασέλγειας. O Annibale Carracci στην επεξεργασία του ίδιου θέματος το 1583 που αποκάλεσε επίσης κρεοπωλείο αρχίζει να αφαιρεί τα ηθικά μηνύματα, όπως έκαναν και άλλοι σε έργα νεκρής φύσης τύπου «κουζίνα και  αγορά» αυτής της περιόδου.

Δέκατος έβδομος αιώνας

Caravaggio

Αν και η ιταλική ζωγραφική της νεκρής φύσης άρχισε να κερδίζει σε δημοτικότητα, παρέμεινε ιστορικά λιγότερο σεβαστή από τον "σπουδαίο τρόπο" ζωγραφικής ιστορικών, θρησκευτικών, και μυθικών θεμάτων. Εξέχοντες ακαδημαϊκοί στις αρχές του 17ου αιώνα, όπως ο Αντρέα Σάκι , θεώρησαν ότι η νεκρή φύση, δεν φέρει την "βαρύτητα" που άξιζε για τη ζωγραφική, για να θεωρηθεί σπουδαία. Πολλοί από τους κορυφαίους Ιταλούς καλλιτέχνες σε άλλο είδος ζωγραφικής, παρήγαγαν επίσης μερικά έργα νεκρής φύσης. Ειδικότερα, ο Καραβάτζιο εφάρμοσε την επιρροή του νατουραλισμού σε νεκρές φύσεις. Το Καλάθι των φρούτων (περ. 1595-1600) είναι ένα από τα πρώτα παραδείγματα της καθαρής νεκρής φύσης, καθορισμένο με ακρίβεια στο ύψος των ματιών. Αν και δεν είναι φανερό συμβολικά, αυτός ο πίνακας ανήκε στον Καρδινάλιο Federico Borromeo και μπορεί να εκτιμηθεί για θρησκευτικούς και αισθητικούς λόγους.  Ο Ιαν Bruegel ζωγράφισε το Μεγάλο Μπουκέτο του Μιλάνου (1606) για τον καρδινάλιο, καθώς, υποστηρίζοντας ότι το ζωγράφισε «fatta tutti del natturel» (όλα γίνονται από τη φύση) και ζήτησε επιπλέον χρέωση για την προσπάθεια του αυτή. Αυτά ήταν, μεταξύ πολλών έργων νεκρής φύσης στη συλλογή του καρδιναλίου, συν την μεγάλη συλλογή του με κειμήλια. Μεταξύ άλλων ιταλικών νεκρών φύσεων, ήταν και του Bernardo Strozzi Ο Μάγειρας. Είναι μια σκηνή στην κουζίνα ζωγραφισμένη με ολλανδικό τρόπο, που είναι  ένα λεπτομερές πορτρέτο ενός μάγειρα και των φτερωτών θηραμάτων που ετοιμάζει.

Δέκατος όγδοος αιώνας

Anne-Vallayer Coster

Μέχρι το 18ο αιώνα, σε πολλές περιπτώσεις, οι θρησκευτικές και αλληγορικές προεκτάσεις των έργων ζωγραφικής της νεκρής φύσης μειώθηκαν και τα έργα ζωγραφικής που απεικόνιζαν κουζίνες εξελίχθηκαν σε ποικίλες υπολογισμένες απεικονίσεις του χρώματος και της μορφής, εμφανίζοντας καθημερινά τρόφιμα. Η γαλλική αριστοκρατία απασχολούσε καλλιτέχνες για την εκτέλεση έργων ζωγραφικής με πλούσια και εξωφρενικά θέματα νεκρής φύσης που στόλιζαν το τραπέζι τους, ακόμη και χωρίς το ηθικολογικό μήνυμα «vanitas» των Ολλανδών προκατόχων τους. Κατά τη διάρκεια αυτών των αιώνων, το είδος της «νεκρής φύσης» εξακολουθεί να κατατάσσεται χαμηλά στην ιεραρχική κλίμακα. Αυτή η αλληλεπίδραση μεταξύ τέχνης και φύσης ήταν αρκετά κοινή στην ολλανδική, φλαμανδική και γαλλική ζωγραφική νεκρών φύσεων. Από τους σημαντικούς εκπροσώπους αυτού του αιώνα θεωρείται η Anne-Vallayer Coster. Το τέλος του δέκατου όγδοου αιώνα, και η πτώση της γαλλικής μοναρχίας έκλεισε τις πόρτες για την «εποχή» της Vallayer-Coster, και άνοιξε δρόμους σε νέα στυλ απεικόνισης των ανθών. Έχει υποστηριχθεί ότι αυτό ήταν το αποκορύφωμα της καριέρας της και αυτό για το οποίο είναι γνωστή. Ωστόσο, έχει επίσης υποστηριχθεί ότι οι πίνακες λουλουδιών ήταν μάταιοι  για την καριέρα της. Παρόλα αυτά, αυτή η συλλογή περιείχε μελέτες λουλουδιών σε λάδι, ακουαρέλα και γκουάς. ^{http://translate.googleusercontent.com/translate_c?hl=el&langpair=en%7Cel&rurl=translate.google.gr&u=http://en.wikipedia.org/wiki/Still_life&usg=ALkJrhiNfNCY6aXd9bZZlYx9e3gya5DkJg}

Δέκατος ένατος αιώνας

 

Henri-Latour Fantin

Με την άνοδο των Ευρωπαϊκών Ακαδημιών, κυρίως της Γαλλικής Ακαδημίας που κατείχε κεντρικό ρόλο στην ακαδημαϊκή τέχνη , η  νεκρή φύση άρχισε να πέφτει σε εύνοια. Οι Ακαδημίες δίδαξαν το δόγμα της « Ιεραρχίας των ειδών " (ή" Ιεράρχηση των Αντικειμένων »), το οποίο έκρινε ότι η καλλιτεχνική αξία ενός έργου ζωγραφικής βασιζόταν κυρίως στο θέμα του. Κατά το ακαδημαϊκό σύστημα, η υψηλότερη μορφή της ζωγραφικής αποτελείται από εικόνες ιστορικής, μυθολογικής ή βιβλικής σημασίας, με τα θέματα νεκρής φύσης να έχουν υποβιβαστεί στην πολύ χαμηλότερη σειρά της καλλιτεχνικής αναγνώρισης. Αντί να χρησιμοποιούν  τη νεκρή φύση για να δοξάσουν τη φύση, κάποιοι καλλιτέχνες, όπως ο John Constable και Camille Corot, επέλεξαν τοπία να υπηρετήσουν αυτό το σκοπό. Όταν ο Νεοκλασικισμός άρχισε να πέφτει σε παρακμή από τη δεκαετία του 1830, το είδος και η ζωγραφική πορτρέτου έγιναν το επίκεντρο της Ρεαλιστικής και Ρομαντικής καλλιτεχνικής επανάστασης. Πολλοί από τους μεγάλους καλλιτέχνες της εποχής περιλαμβάνουν τη νεκρή φύση στους πίνακές τους. Οι πίνακες νεκρής φύσης του Francisco Goya, Gustave Courbet, και Eugène Delacroix μεταφέρουν ένα ισχυρό συναισθηματικό ρεύμα, και ενδιαφέρονται λιγότερο για την ακρίβεια και περισσότερο για τη διάθεση. Αν και τα μοτίβα των πρώιμων θεμάτων νεκρής φύσης των Chardin, Édouard Manet είναι έντονα τονικά και σαφώς κατευθυνόμενα προς τον Ιμπρεσιονισμό. Ο Henri-Latour Fantin, χρησιμοποιώντας μια πιο παραδοσιακή τεχνική, ήταν διάσημος για τα εξαιρετικά έργα του με λουλούδια και έβγαζε τα προς το ζην σχεδόν αποκλειστικά με τη ζωγραφική νεκρής φύσης  για συλλέκτες.

Τα "Ηλιοτρόπια" του Vincent van Gogh είναι μερικά από τα πιο γνωστά έργα νεκρής φύσης του 19ου αιώνα. Ο van Gogh χρησιμοποιεί κυρίως αποχρώσεις του κίτρινου και μάλλον επίπεδη απόδοση για να κάνει μια αξέχαστη συμβολή στην ιστορία της νεκρής φύσης. Ζωγράφισε επίσης τη δική του εκδοχή ενός πίνακα «vanitas», Νεκρή φύση με ανοικτή Βίβλο, Κερί, και Βιβλίο (1885).    

Παράλληλα στις  Ηνωμένες Πολιτείες  Αμερικανοί καλλιτέχνες που έχουν σπουδάσει στο εξωτερικό  εφαρμόζουν το ευρωπαϊκό στυλ στην αμερικάνικη ζωγραφική πορτρέτου και νεκρής φύσης. Ο Raphaelle Peale ήταν μέλος σε μια ομάδα πρώιμων Αμερικανών ζωγράφων νεκρής φύσης, η οποία περιελάμβανε, επίσης τους John F. Francis,  Charles Bird King  και  John Johnston.                                 

Εικοστός αιώνας

Paul Cezanne

Η νεκρή φύση, καθώς και άλλες παραστατικές τέχνες, συνέχισαν να εξελίσσονται και να προσαρμόζονται μέχρι τα μέσα του αιώνα, όταν η απόλυτη αφαίρεση, όπως καταδεικνύεται από  τα έργα ζωγραφικής (με την τέχνη του σταξίματος) του Jackson Pollock, κατάργησε κάθε αναγνωρίσιμο περιεχόμενο. Ο αιώνας ξεκίνησε με αρκετές τάσεις να κατέχονται στην τέχνη. Το 1901, ο Paul Gauguin ζωγράφισε τον πίνακα Νεκρή φύση με ηλιοτρόπια, ως φόρο τιμής στον φίλο του, Βαν Γκογκ, που είχε πεθάνει έντεκα χρόνια νωρίτερα. Η ομάδα γνωστή ως Les Nabis, συμπεριλαμβανομένων των Pierre Bonnard και Edouard Vuillard, πήρε τις αρμονικές θεωρίες του Gauguin και πρόσθεσε στοιχεία εμπνευσμένα από τα Ιαπωνικά ξυλόγλυπτα στις νεκρές φύσεις τους. Ο Henri Matisse μείωσε ακόμα περισσότερο την απόδοση των αντικειμένων νεκρής φύσης ζωγραφίζοντας ελάχιστα έντονα και επίπεδα περιγράμματα που γεμίζουν με φωτεινά χρώματα. Ο Πολ Σεζάν βρίσκει στις νεκρές φύσεις το τέλειο μέσο για τις επαναστατικές εξερευνήσεις του στην γεωμετρική οργάνωση του χώρου. Όταν οι Αμερικανοί καλλιτέχνες του 20^ου αιώνα έλαβαν γνώση του ευρωπαϊκού μοντερνισμού, άρχισαν να αποτυπώνουν τη νεκρή φύση με ένα συνδυασμό αμερικανικού ρεαλισμού και κυβισμού. Χαρακτηριστικό των αμερικανικών έργων νεκρής φύσης αυτής της περιόδου είναι οι τοιχογραφίες της Georgia O'Keeffe, Stuart Davis και Marsden Hartley, και οι φωτογραφίες του Edward Weston. 

Roy Lichtenstein

Από το 1930, o Αφηρημένος Εξπρεσιονισμός σταδιακά μείωσε τη νεκρή φύση σε απλές απεικονίσεις μορφής και χρώματος, μέχρι τη δεκαετία του 1950, όπου  η συνολική αφαίρεση κυριάρχησε στον κόσμο τέχνης. Ωστόσο, η Pop Art το 1960 και το 1970 αντέστρεψε την τάση και δημιούργησε μια νέα μορφή νεκρής φύσης. Πολλά Pop Art έργα (όπως ο πίνακας του Andy Warhol  «κονσέρβες του Campbell») βασίζονται στις νεκρές φύσεις, αλλά το πραγματικό τους θέμα αντιπροσώπευε πολύ συχνά την εμπορευματοποιημένη εικόνα του εμπορικού προϊόντος περισσότερο από το  ίδιο το φυσικό αντικείμενο. Ο πίνακας του Roy Lichtenstein Νεκρή φύση με χρυσόψαρο σε γυάλα (1972) συνδυάζει τα καθαρά χρώματα του Matisse με την ποπ εικονογραφία του Warhol. Μια σημαντική συμβολή στην ανάπτυξη της ζωγραφικής νεκρής φύσης στον 20ο αιώνα έγινε από Ρώσους καλλιτέχνες, μεταξύ των οποίων και οι Sergei Ocipov, Victor Teterin, Evgenia Antipova, Gevork Kotiantz, Sergei Zakharov, Taisia ​​Afonina, Maya Kopitseva, και άλλοι. Αντίθετα, η άνοδος του Φωτορεαλισμού στη δεκαετία του 1970 επανατοποθέτησε την ψευδαισθησιακή αναπαράσταση, διατηρώντας μερικα από τα μηνύματα της Ποπ Αρτ, όπως η συγχώνευση αντικειμένου, εικόνας, και εμπορικού προϊόντος. Χαρακτηριστικοί από την άποψη αυτή είναι οι πίνακες του Don Eddy και Ralph Goings.

Εικοστός πρώτος αιώνας

Στις τρεις τελευταίες δεκαετίες του 20ου αιώνα, και στα πρώτα χρόνια του 21ου αιώνα, η νεκρή φύση έχει επεκταθεί πέρα ​​από τα όρια του πλαισίου. Ειδικά μετά την εποχή των ηλεκτρονικών υπολογιστών , και την άνοδο της τέχνης μέσω υπολογιστή και της ψηφιακής τέχνης η φύση και ο ορισμός της νεκρής φύσης έχει αλλάξει. Μερικά  πολυμέσα που ασχολούνται με την νεκρή φύση χρησιμοποιούν αντικείμενα, φωτογραφίες, βίντεο, ήχο και μπορούν να γεμίσουν πλήρως το χώρο σε ένα δωμάτιο μιας γκαλερί. Γραφικά μέσω υπολογιστών έχουν διευρύνει τις διαθέσιμες τεχνικές για τους καλλιτέχνες νεκρής φύσης. Με τη χρήση της βιντεοκάμερας, οι καλλιτέχνες νεκρής φύσης μπορούν να ενσωματώσουν ακόμα και το θεατή στο έργο τους.

Μερικά έργα νεκρής φύσης

Hans Gillisz. Bollongier (c. 1600-1675), Κομμάτια λουλουδιού, (1644)

Εδώ ο καλλιτέχνης μέσω του μπουκέτου αναδεικνύει τη διακόσμηση  που είχαν τα αριστοκρατικά σπίτια της εποχής.

           
 

Francisco Goya, Νεκρή φύση με φρούτα, μπουκάλια, ψωμιά, 1824-1826. Ο καλλιτέχνης με απαλά χρώματα αποδίδει ένα καθημερινό γεύμα του 19^ου αιώνα.

Jacopo de 'Barbari (περ. 1440-πριν από 1516), Νεκρή Φύση με πέρδικα και γάντια (1504) Μέσω του πίνακα μας φανερώνεται το συχνό θήραμα του κυνηγιού. Η τεχνική του καλλιτέχνη και τα χρώματα δίνουν έμφαση στον θάνατο που περιέχει η σκηνή.

Βίνσεντ Βαν Γκογκ (1853-1890), Ηλιοτρόπια ή Βάζο με Δεκαπέντε Ηλιοτρόπια (1888). Ένας κλασσικος πίνακας νεκρής φύσης.

Joachim Beuckelaer , (1533-1575), σκηνή κουζίνας, με τον Ιησού στο σπίτι της Μάρθας και τη Μαρία στο παρασκήνιο, 1566.

 Σε αυτό τον πίνακα φαίνεται η επιρροή της νεκρής φύσης σε θρησκευτικό θέμα.

Rachel Ruysch , Νεκρή Φύση  με Λουλούδια και δαμάσκηνα, 1704.

Η τεχνική και τα χρώματα που χρησιμοποιεί ο καλλιτέχνης αναδεικνύουν τόσο την νεκρή φύση του μπουκέτου, αλλά και τη ομορφιά που προσδίδει αυτό.

Giovanna Garzoni (1600-1670), Νεκρή φύση με Μπολ κίτρα (Τέμπερα σε περγαμηνή), (1640)

 Η καλλιτέχνης αποδίδει ένα μπολ με λεμόνια, το οποίο είναι ένα από τα πολλά διακοσμητικά της εποχής. Παράλληλα η τεχνική που χρησιμοποιεί, αναδεικνύει την στρογγυλάδα των λεμονιών κάνοντας τα πιο ρεαλιστικά.

Hans Memling (1430-1494), βάζο με λουλούδια, (1480). Η τεχνική της φωτοσκίασης και του βάθους κάνουν το πίνακα ρεαλιστικό σε επίπεδο αληθινού. Έτσι ο καλλιτέχνης δείχνει στον θεατή το μήνυμα που θέλει να περάσει μέσω του πίνακα με τον πιο ρεαλιστικό τρόπο.  

Pieter Claesz (περ. 1597-1660), vanitas νεκρές φύσεις, 1630. Η νεκρή φύση σε όλο της το μεγαλείο. Το κρανίο και ο παλαιωμένος πάπυρος αποδίδουν τέλεια την νεκρή φύση. Όσο για το κρανίο, είναι ένα στοιχείο που αποδίδει ακριβέστατα  τον θάνατο που έχει η σκηνή.  

Βιβλιογραφία

en.wikipedia.org

www.forgottendelights.com